10/12/2018 / Warsaw Dance Days 2018 – 7. Międzynarodowy Festiwal Tańca Współczesnego w Centrum Sztuki Tańca w Warszawie

20/10/18 / Aktualności, Program 2018

Zapraszamy do udziału w 7. edycji Warsaw Dance Days – Międzynarodowego Festiwalu Tańca Współczesnego – dedykowanego w całości młodym adeptom sztuki tańca: uczniom, studentom i absolwentom szkół baletowych oraz polskich i zagranicznych uczelni związanych z tańcem i choreografią. W tym roku przez trzy festiwalowe dni na dwóch scenach: 10.12 w Centrum Sztuki Tańca w Warszawie  i 11-12.12 w  Ośrodku Teatr Tańca Zawirowania na Belwederskiej swoje choreografie zaprezentują artyści młodego pokolenia z Austrii, Czech, Francji, Niemiec, Polski i Słowacji.

 

Pełen Program Festiwalu –> TU

 

10.12.2018 / godz. 19:00

Centrum Sztuki Tańca, Dom Kultury Kadr, ul. Gintrowskiego 32

WSTĘP 10 zł, rezerwacja miejsc online lub telefonicznie SPRZEDAŻ BILETÓW RUSZA W PONIEDZIAŁEK 26.11

Czas trwania: ok.2h 30 min (w tym 1 przerwa)

Organizatorzy: Mazowiecki Instytut Kultury, Stowarzyszenie Strefa Otwarta

Partnerzy: Centrum Sztuki Tańca w Warszawie, Fundacja Scena Współczesna

Teatr Tańca Zawirowania, Warszawski Teatr Tańca, Wydział Teatru Tańca w Bytomiu, Akademia Sztuk Teatralnych w Krakowie, Akademia Wychowania Fizycznego w Poznaniu, Konzervatórium J. L. Bellu w Bańskiej Bystrzycy, Tanečni Konzervatoř w Pradze

 

PROGRAM 10 GRUDNIA

Warsaw Dance Days w Centrum Sztuki Tańca w Warszawie

h.art company

„Ravnfjær” / chor. Artur Grabarczyk  / 30min

Akademia Sztuk Teatralnych w Krakowie, Wydział Teatru Tańca w Bytomiu

„Spotkanie” / chor. Agnieszka Skorut / 10min

„Bo należy nam się maj” / chor. Karolina Januszek / 5min

„Jak rozebrałem tęczę, czyli sprawdzam grunt” /  chor. Łukasz Zgórka / 12min

„Multitude” /  chor. Wojciech Marek Kozak / 25min

 

Kompania Tańca Akademii Wychowania Fizycznego w Poznaniu

„Myśl ucieleśniona” / chor. Agnieszka Doberska i zespół / 22min

 

Artystki Polskiego Baletu Narodowego, Teatr Wielki – Opera Narodowa

„Mów don’t move” /  chor. Joanna Drabik / 17min

 

OPISY SPEKTAKLI / BIOGRAMY

 

„RAVNFJÆR”

h.art company

Czas trwania: 30 min

Choreografia: Artur Grabarczyk

Muzyka: Collage

Scenografia i kostiumy: Iwona Raczyńska, Weronika Cudzik

Występują: Agata Baran, Wiktor Bębacz, Agata Biela, Agnieszka Brzezińska, Stanisław Bulder, Sylwia Czubińska, Patrycja Kubiak, Dominika Lewandowska, Beata Miernik, Iza Prokopek, Przemysław Jarema Stokowiec, Konrad Zagajewski, Ewa Noras

Produkcja: Akademia Teatru Tańca Zawirowania

Trailer –> TU

Ravnfjær to spektakl oparty na mitologii nordyckiej oraz na zwyczajach i rytuałach ludności Normańskiej z przełomu VII-XII w. Jest to swoisty collage, który w abstrakcyjny sposób zabiera w podróż po sagach i mitach. Podobnie jak na inne indoeuropejskie systemy wierzeń, na mitologię nordycką składają się mity o bogach i boginiach, bohaterach, cudownych krainach, powstaniu oraz końcu świata. Możemy znaleźć tu m.in. historie olbrzymów i karłów, śmierć Baldura, perypetie Lokiego, proroczą przepowiednię Ragnaroku, jak i nawiązania do świąt i obrzędów obchodzonych przez Normanów na cześć swoich bogów. Ravnfjær (czyt. :ravmfjer) przekładając z języka norweskiego oznacza „krucze pióra” co wpasowuje się metaforycznie w strukturę spektaklu, ukazując mnogość i wielowarstwowość poruszanego tematu. Sam kruk jest symbolem śmierci, wojny ale i mądrości. Jest także jednymi z atrybutów Odyna – boga Wszechojca, któremu towarzyszyły dwa kruki o imionach Hugin (Myśl) i Munin (Pamięć).

Artur Grabarczyk – tancerz, choreograf, nauczyciel tańca oraz filmowiec. Absolwent Ogólnokształcącej Szkoły Baletowej w Gdańsku oraz szkoły wyższej Northern School of Contemporary Dance w Leeds (UK) z tytułem Bachelor of Arts. Studia zakończył z wyróżnieniem (First Class Degree), a jego końcowo-roczne solo wyróżniły znane magazyny Dance Europe oraz Dancing Times. Były tancerz m.in. Scottish Dance Theatre i Bałtyckiego Teatru Tańca, a także studenckiego zespołu AP Group, którego był założycielem. Autor spektakli m.in. When he has given sleep, REM – Rapid Eye Movement, SiCK, Eight8 Chapters, Druga Strona, Ravnfjær. W swojej krótkiej, ale bogatej karierze, na wyróżnienie zasługuje niemal 4-letni pobyt w Scottish Dance Theatre – jednym z najlepszych teatrów tańca na świecie. Tam dojrzał, tańcząc we wszystkich pozycjach repertuarowych, pracując z rzeszą wspaniałych artystów – choreografów, tancerzy, projektantów, producentów, muzyków, artystów sztuk wizualnych czy twórców gier komputerowych. Współpracował m.in. z Damien Jalet przy spektaklu Yama, Sharon Eyal przy spektaklu Process Day oraz Antonem Lachky przy spektaklu Dreamers. Zespół korzystał również z jego usług cyfrowych wykorzystując jego zdjęcia do promocji i plakatów oraz zatrudniając go do tworzenia filmów promocyjnych. Artur po powrocie do Polski podjął współpracę z Teatrem Tańca Zawirowania, Formatem Zero, Fundacją Polka Dot oraz Warszawską Operą Kameralną. Założył również fundację Grab Art. Foundation, pod którą działa zespół h.artcompany. Podczas swojej kariery Artur występował i uczył w wielu krajach świata m.in. Wielkiej Brytanii, Portugalii, Francji, Rumunii, Polsce, Albanii, Włoszech, Niemczech, Białorusi, Ukrainie, Indiach, Chinach, Meksyku, Korei Południowej oraz Brazylii. Na tym etapie kariery miał przyjemność współpracować z tak wybitnymi choreografami jak: Damien Jalet, Sharon Eyal, Anton Lachky, Jo Strømgren, Fleur Darkin, Ann Vachon, Emil Wesołowski, Douglas Thorpe, Jorge Crecis, Andrzej Morawiec, RafałDziemidok, Jennifer-Lynn Crawford, Henri Oguike, Matthew Robinson, Laszlo Nyakas, Sally Owen i Roman Komassa.

h.artcompany to zespół teatru tańca, który powstał w 2017 roku. Pierwszy spektakl pt. Ravnfjær został zrealizowany  w Akademii Tańca Zawirowania. Pod nazwą własną i niezależnie działa od października 2018. Celem i misją h.artcompany jest promowanie teatru tańca i sztuki, zacieranie granicy pomiędzy osobami profesjonalnie działającymi w sferze tańca, a amatorami na wysokim poziomie ruchowym, którzy chcą realizować się zawodowo w sztuce teatru tańca. W planach h.artcompany jest ciągłe tworzenie nowych spektakli, praca zarówno z założycielem grupy jak i innymi zaproszonymi przez niego choreografami. Do tej pory zespół występował głównie w Warszawie. W bieżącym roku można było oglądać go również na IV Konkursie Teatrów Tańca w Kielcach, Festiwalu Sfera Ruchu Toruń 2018, XIV Międzynarodowym Festiwalu Teatrów Tańca Zawirowania, Ogólnopolskim Festiwalu Alternatywnych Teatrów Tańca Sfera Ruchu „Otwórz oczy”.

 

„SPOTKANIE”

Czas trwania: 10 minut

Choreografia: Agnieszka Skorut

Występują: Agnieszka Kramarz, Sebastian Wiertelak i Julia Lewandowska

Produkcja: Akademia Sztuk Teatralnych w Krakowie, Wydział Teatru Tańca w Bytomiu

Projekt Spotkanie jest nie tylko spotkaniem dwóch osób będących na scenie. Jest również spotkaniem widza z dźwiękiem. Ławka, jako symbol spotkania, staje się pretekstem do wejścia w dialog dwóch przypadkowych osób, którym towarzyszy tzw. „oko zewnętrzne” dialogujące z nimi dźwiękowo. Głównymi założeniami projektu są powstające zależności dźwiękowo ruchowe, rytm i spontaniczne reagowanie na partnera.

Agnieszka Skorut, urodzona w 1994 roku. Ukończyła Liceum Plastyczne im. Jana Matejki w Nowym Wiśniczu z tytułem Plastyk ze specjalizacją Tkanina Artystyczna. Studiowała malarstwo na Wydziale Sztuki na Uniwersytecie Pedagogicznym w Krakowie. Od 2014 roku członek stowarzyszenia Kuźnia Tańca. Reżyserka etiud – Retrospekcja, Spotkanie. Współtworzyła spektakl Król Lew, którego premiera miała miejsce w Myślenicach w 2018 roku. Obecnie studentka IV roku Akademii Sztuk Teatralnych w Krakowie na Wydziale Teatru Tańca w Bytomiu. W roku 2017 -2018 brała udział w projekcie badawczym w ramach, którego prowadziła zajęcia z tańca współczesnego w Ogólnokształcącym Liceum im. S. Żeromskiego w Bytomiu. Można zobaczyć ją w spektaklu dyplomowym „CPH4” w choreografii Jacka Łumińskiego.

Fot.: Marta Chrobak

„BO NALEŻY NAM SIĘ MAJ”

Czas trwania: 5 minut

Choreografia: Karolina Januszek

Wykonawcy: Sebastian Wylot i Karolina Januszek

Produkcja: Akademia Sztuk Teatralnych w Krakowie, Wydział Teatru Tańca w Bytomiu

 

Projekt Bo należy nam się maj stanowi rodzaj dialogu między tancerzami. Celem pracy była chęć wygenerowania wspólnego języka ruchowego oraz wzajemna wymiana energii. Na scenie widzimy Karolinę i Sebastiana, między którymi buduje się „jakaś” relacja w konkretnym momencie. „Nie” dla naddawania, „nie” dla postaciowania – czy to w ogóle możliwe? „Bo należy nam się maj” przede wszystkim bazuje na pracy z partnerem i zaufaniu.

Karolina Januszek obecnie jest studentką trzeciego roku Akademii Sztuk Teatralnych im. Stanisława Wyspiańskiego w Krakowie, Wydziału Teatru Tańca w Bytomiu. W styczniu 2018 roku uczestniczyła w wymianie polsko – chińskiej podczas 2nd China-CEEC Winter Dance Camp w Shenzhen. Współpracowała z Sylwią Hefczyńską-Lewandowską przy spektaklu w ramach XIX Festiwalu Sztuki Wysokiej 2018, pt. „To sztuka być kobietą”, który miał miejsce w Bytomiu. Od najmłodszych lat silnie związana z kulturą street dance, co pomogło ukształtować jej indywidualny charakter ruchu. Stale poszerza swoją wiedzę podczas uczestnictwa w międzynarodowych warsztatach oraz poprzez poznawanie innych kultur.

Fot. Marta Chrobak

„JAK ROZEBRAŁEM TĘCZĘ, CZYLI SPRAWDZAM GRUNT”

Czas trwania: 12 min

Choreografia i wykonanie: Łukasz Zgórka

Produkcja: Akademia Sztuk Teatralnych w Krakowie, Wydział Teatru Tańca w Bytomiu

 

Jak rozebrałem tęczę, czyli sprawdzam grunt… siebie, mięśni, osobowości, ego, emocji. Projekt taneczny o rozkładaniu na czynniki pierwsze ludzkich lęków, obaw, pragnień, marzeń. Osobiste zmierzenie się z samym sobą. Podzielenie się obecnością, intymnością i emocją, poprzez fizyczny ruch i taniec. Próba znalezienia dobra, odnalezienia siebie w sobie, odbicia z widownią. Wykorzystanie energii, starcie się z nieokreśloną siłą w tańcu, nawiązania kontaktu z przestrzenią. Co w nas siedzi? Jak odnaleźć miłość? Jest to projekt solowy z wykorzystaniem fizyczności, w którym performer bada wewnętrzne siły, motywację do działania i szuka szczęścia. Wykorzystuje taniec do odnalezienia prawdziwego siebie. Poprzez język ciała i zmysły przekazuje swoją historię. Próbuje uchwycić marzenia, poznać siebie i przekazać to, czego nie da się opowiedzieć słowami. Spotkanie człowieka z człowiekiem. Ciała z ciałem. Mięśnia z mięśniem.

Łukasz Zgórka, 22 lata. Student IV roku Akademii Sztuk Teatralnych im. Stanisława Wyspiańskiego w Krakowie, Wydziału Teatru Tańca w Bytomiu. Przed studiami grał w warszawskim teatrze Pijana Sypialnia w takich spektaklach jak Wodewil warszawski, Łojdyrydy, Wyjowisko. Stypendysta Kibbutzim Collage of Education w Tel-Awiwie. Wraz z grupą studentów z Bytomia tworzył w Tel-Avivie spektakl – Politically (not)correct. Zagrał w realizowanym w OPT Gardzienice spektaklu Nowe Ateny (premiera na Festiwalu Teatrów Błądzących) w reż. Macieja Gorczyńskiego. W trakcie trwania studiów uczy się u m.in. Jacka Łumińskiego, Janusza Skubaczkowskiego, Briana Michaelsa, Sylwii Hefczyńskiej-Lewandowskiej, Sharon Reshef-Armony (Izrael), Hilke Diemer (Holandia), Allena Kuharskiego (USA), Claudii Jeschke (Niemcy). Wystąpił ze swoim projektem solowym Jak zbudowałem tęczę, czyli sprawdzam grunt na SHARE Festival w Macedonii w marcu i na Międzynarodowych Spotkaniach Teatrów Tańca w Lublinie w listopadzie 2018 roku. Tańczy w spektaklu dyplomowym CPH4 w choreografii Jacka Łumińskiego.

Fot. Marta Chrobak

„MULTITUDE”

czas trwania: 25 min

Reżyseria, choreografia, wykonanie: Wojciech Marek Kozak
Reżyseria światła: Radosław Lis

Produkcja: Akademia Sztuk Teatralnych w Krakowie, Wydział Teatru Tańca w Bytomiu

Premiera:  Scena WTT AST w Bytomiu 16.11.2017

 

multitude (ang. mnogość, wielość) to proces kształtowania, stawania się. Podejmuje temat  obcego poruszającego się w strukturach społecznych, jego dążeń, pragnień i przeżyć. Jest to podróż do świata wewnętrznego i zewnętrznego, w głąb cielesności i umysłowości. Konfrontuje ludzką potrzebę nazywania i klasyfikacji zjawisk z różnorodnością rzeczywistości.

Wojciech Marek Kozak urodził się 1993 roku. Pochodzi z Gądecza pod Bydgoszczą. Aktor, tancerz, performer, student V roku AST w Krakowie na Wydziale Teatru Tańca w Bytomiu. Jego zainteresowania krążą wokół sztuk performatywnych, w których poszukuje odpowiednich dla niego form wyrazu. Współpracował m. in. z Jackiem Przybyłowiczem Stany Skupienia, Jerzym Stuhrem Bal w Operze, Iloną Trybułą i Adamem Świtałą Uważnie się przyglądam, Sebastianem Majewskim Polonez alla polacca na niemiecką nutę, Janem Peszkiem Wariat i Zakonnica, Rudolfem Zioło Sinobrody. Nadzieja kobiet, Katarzyną Pawłowską DEXTRAL. Fascynują go Indie. Współpracuje z kalkuckim teatrem Kasba Arghya, gdzie odbył rezydencję i zrealizował monodram Moja podróż do Veda Prakritih reż. Manish Mitra, który prezentowany był na wielu scenach w Indiach i Polsce. Tworzy również własne projekty takie jak multitude (Nagroda Instytutu Muzyki i Tańca na 6. Ogólnopolskich Dniach Monodramu w Koszalinie), performance Interview, współtworzył projekt Nie/widzialne w ramach którego powstał spektakl teatru tańca oraz instalacja performatywna. Uczestniczył w 4 edycji China-CEEC Summer Dance Camp oraz Europe – Identity under (de)construction. Uwielbia filmy przyrodnicze i drzewa.

Fot.: Hangyu Ji

„MYŚL UCIELEŚNIONA”

Kompania Tańca AWF w Poznaniu

Czas trwania: 22min

Choreografia: Agnieszka Doberska i zespół

Wykonanie: Weronika Skórzewska, Katarzyna Leszek, Joanna Kukiełka, Marta Szostecka, Aleksandra Piasta, Nikolina Wrona, Filip Hylewicz, Damian Drozd, Patryk Gorzkiewicz, Bartek Dopytalski, Wojciech Furman, Oliwia Lech

Muzyka: Collage

Tekst: Rupi Kaur,  Charles Bukowski, ks. Józef  Tischner, Maria Peszek, John Boyne, Agnieszka Osiecka, Mary Oliver

Realizacja świateł: Miłosz Tulewicz

Produkcja: Akademia Wychowania Fizycznego w Poznaniu

Spektakl Myśl ucieleśniona jest filozoficzną podróżą umysłu w ciele w dosłownym znaczeniu słowa „podróż”, ale także w przenośni. Cytując jednego ze współczesnych Pitagorejczyków z greckiej wyspy Gawdos: „Lepiej jest podróżować z kimś. Wtedy jeden mówi: chodźmy tam a drugi na to: nie, chodźmy w drugą stronę. A jak jest trzeci to chce jeszcze gdzie indziej. I w końcu nigdzie nie idą, tylko zaczynają rozmawiać. I tu jest miejsce na filozofię.”

 

Agnieszka Doberska, urodzona w Warszawie w 1980 roku, tancerka, choreografka i pedagożka tańca. Od roku 2005 dyplomowany Instruktor I-go stopnia w  systemie GYROTONIC EXPANSION SYSTEM®. W roku 2008 ukończyła studia magisterskie Master of Arts w dziedzinie choreografii na wydziale Tańca Współczesnego w Anton Bruckner  Privatuniversität  w Linz w Austrii. Wcześniej otrzymała dyplom Bachelor of Arts  z pedagogiki tańca na tej samej uczelni. Od roku 2008 Agnieszka jest pedagogiem tańca w wielu placówkach w Polsce jak i za granicą. W latach 2009-2012 jako asystentka choreografa współpracowała z takimi twórcami jak: Idan Cohen, Shaden Abu-Elassal, Joe Alter, Irad Mazliah. W latach 2009 – 2013 była tancerką Śląskiego Teatru Tańca w Bytomiu. Wcześniej współpracowała m.in. Teatrem Tańca Alter. W 2014 roku tancerka Bytomskiego Teatru Tańca i Ruchu Rozbark. W ramach pracy dla tego teatru brała udział w dwóch projektach: Legendy w choreografii Kai Kołodziejczyk i w This is not a love song w choreografii Uriego Ivgi i Johana Grebena. Od 2016 roku jest kierowniczką artystyczną i choreografką Kompanii Tańca AWF Poznań, dla której stworzyła dwa spektakle: Gdybym wiedział… w 2017 roku i Myśl ucieleśniona w 2018 roku.

 

„MÓW DON’T MOVE”

Artystki Polskiego Baletu Narodowego, Teatr Wielki – Opera Narodowa

Czas trwania: 17min

Choreografia: Joanna Drabik

Wykonanie: Joanna Drabik i Anna Hop

Muzyka: Nicolas Jaar „Keep Me There”, Nicolas Jaar „Russian Dolls”,Ugress „Undead Funeral March”, Nina Simone „I wish I Knew”

Scenografia i kostiumy: Swietłana Owsiankina

Realizacja świateł: Joanna Drabik

 

Słowo bez grawitacji. Istnienie bez względu. Okoliczność bez wyjścia. Taniec bez reszty. Położenie bez sensu. Ruch bez przesady. Tekst bez ogródek. Przestrzeń bez przerwy. Mowa bez nawiasów. Krok bez powrotu. Gadka bez kitu. Mów don’t move.

fot. Vladimir Yaroshenko

Joanna Drabik – Absolwentka Ogólnokształcącej Szkoły Baletowej im. Ludomira Różyckiego w Bytomiu (2007) i pedagogiki baletowej Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie (2013). Laureatka konkursów baletowych w kraju i zagranicą: III miejsce w XV Ogólnopolskim Konkursie Tańca w Gdańsku 2007, finalista Konkursu Baletowego Złote Pointy w Szczecinie oraz Citta di Rieti we Włoszech. W tym samym roku zdobyła I  miejsce w III Międzynarodowym Konkursie Choreograficznym w Bytomiu. W 2007 roku otrzymała angaż w teatrze wielkim w Warszawie, gdzie występowała w licznych spektaklach baletowych m.in.: Jezioro Łabędzie (Irek Muchamiedow), Śpiąca Królewna (Jurij Grigorowicz), Bajadera (Natalia Makarowa), Tristan, Kurt Weill, In Light and Shadow (Krzysztof Pastor), Concerto Barocco (George Balanchine), Artifact Suite (William Forsythe), Alpha KryoniaXe (Jacek Przybyłowicz). Jako artystka Polskiego Baletu Narodowego, po wykonaniu partii Wybranej w Święcie wiosny w wersjach Wacława Niżyńskiego i Maurice‘a Bejarta oraz Naszej Kobiety w balecie I przejdą deszcze… Krzysztofa Pastora została awansowana na koryfejkę. W 2013 roku  po raz pierwszy wzięła udział w V edycji warsztatów choreograficznych dla tancerzy Polskiego Baletu Narodowego Kreacje. Zaprezentowała swoją pracę choreograficzną Kwartet
(muz. W. Lutosławski Gry Weneckie, cz. I – Ad libitum). Następnie podczas VI, IX i X edycji warsztatów choreograficznych stworzyła kolejne etiudy choreograficzne: Szpile (muz. Tom Waits, Simone Diaz), Momentum (muz. M. Richter, J. Talbot), Mów don’t move (muz. N. Jaar, Ugress, N. Simone). W 2015 w ramach międzynarodowego projektu dla młodzieży stworzyła choreografię IN/Out (muz. W. Kiar), która została zaprezentowana w Operze w Oslo oraz w Teatrze Wielkim-Operze Narodowej w Warszawie. Dodatkowo współpracuje ze szkołami baletowymi w Warszawie i w Bytomiu przygotowując choreografie na Konkursy baletowe i koncerty szkolne.


Organizatorzy: Fundacja Artystyczna PERFORM, Fundacja Rozwoju Teatru ‘NOWA FALA’ / HOTELOKO movement makers

Partner projektu: Dom Kultury Kadr

Współpraca: Centrum w Ruchu, Fundacja Burdąg, Fundacja B’cause, Fundacja Ciało/Umysł, Fundacja Ciało się, Fundacja Movementum/Warsaw Dance Department, Fundacja „Myśl w Ciele” / Warszawska Pracownia Kinetograficzna, Fundacja Rozwoju Tańca „Eferte” / Mufmi Teatr Tańca, Fundacja Scena Współczesna / Teatr Tańca Zawirowania, Fundacja Sztuka i Współczesność, Fundacja Sztuki Tańca, Fundacja Tradycji i Transformacji Sztuki / Teatr Tańca NTF, Stowarzyszenie „Akademia Umiejętności Społecznych”/ Teatr Limen Butoh, Stowarzyszenie i Kolektyw Artystyczny Format ZERO, Stowarzyszenie Ja Ja Ja Ne Ne Ne / TukaWach, Stowarzyszenie Strefa Otwarta / Warszawski Teatr Tańca, Stowarzyszenie Sztuka Nowa

Patronat medialny: portal taniecPOLSKA.pl, TVP Kultura, RDC, e-teatr, miesięcznik TEATR, Teatr dla Wszystkich, Teatralia.com.pl, TANIEC, Warsawholic, Notes na 6 tygodni, Going.

Centrum Sztuki Tańca w Warszawie

Siedziba 2017-2019: Dom Kultury Kadr
ul. Przemysława Gintrowskiego 32
02-697 Warszawa

Dokładny program i szczegółowe informacje na stronach:

www.centrumsztukitanca.eu

http://www.dkkadr.waw.pl/k/repertuar/

Facebook: www.facebook.com/cstwarszawa

Instagram: https://www.instagram.com/centrumsztukitancacst/

Twitter: https://twitter.com/CSTwWarszawie

— — — — — — — — — — — — — — — — — — — — — — — — —

Prawa autorskie

Klauzula zgody na wykorzystanie wizerunku uczestnika imprezy organizowanej przez Centrum Sztuki Tańca w Warszawie

Każdy uczestnik biorący udział w imprezach organizowanych przez Centrum Sztuki Tańca w Warszawie / CST wyraża zgodę na rozpowszechnianie, w celach promocji CST, swojego wizerunku w filmach i zdjęciach zrealizowanych podczas wydarzeń, w których dobrowolnie uczestniczył zgodnie z art. 81 ustawy z dnia 1994 r. o prawie autorskim i prawach pokrewnych (tekst jednolity Dz.U. z 2006r. nr 90,poz. 631,z późniejszymi zmianami). W przypadku braku takiej zgody uczestnik imprezy organizowanej przez CST informuję organizatora przed rozpoczęciem imprezy, w której dobrowolnie uczestniczy.